Bloque VIII

IMPORTANCIA DEL ARTE LATINOAMERICANO 

La importancia del arte latinoamericano especialmente en la ciudad de mexico es que ha aportado grandes insumos, así como obras de arte que han hecho que cada uno de los mexicanos pueda reconocer su identidad, como es que vamos a seguir sobreviviendo en este mundo corroído por la tecnología, los medios de comunicación y la globalización que hacen que la mayoría de los mexicanos olvidamos convertirnos en humanos y en dejar aun lado cada una de las bellas artes que nos hacen ser únicos.

Existen artes que no identifican en latinoamerica, como son; a palabra poética, en la música popular, en el carnaval, en la danza, en sus dramas y ensayos histórico-políticos, en sus grandes novelas del realismo maravilloso, social y espantoso. La literatura, la musica, la pintura, los poemas,y sobre todo lo mas importante La identidad latinoamericana ha sido definida en gran parte por sus novelas y se ha ido gravando en la memoria de la emancipación a través de la pintura y del muralismo mexicano.

Una nueva mirada sobre el arte puede ayudar a comprender las encrucijadas actuales. Aquello que para las Ciencias Sociales es difícil de explicar sobre los logros y fracasos de la globalización, el Arte formula preguntas distintas sobre qué hacen las sociedades con aquello que no encuentran respuesta en la cultura, ni en la política ni en la antropología; intento de explicación relacionado con el vacío dejado por la estéticas modernas, la fragmentación de las obras, el fugaz prestigio del canon posmoderno y las condiciones para comprender los procesos sociales. La gran producción artística latinoamericana no se acopiaba para estar en los museos; la realidad se cristalizaba para interactuar en la calle, en medio de los ojos y de los oídos de la multitud.

hoy en día estaríamos en una sociedad sin relato porque lo que se califica de “arte actual” no discute ni propone cambiar la vida o contribuir al desarrollo de una conciencia estetica en la vida de los latinoamericanos y sobre todo a los mexicanos.

Algunos de los autores que han sido responsables en la comtemplacion del arte latinoamaricano y han provocado gran admiracion de una manera mundial han sido Frida Kahlo, David Alfaros Siqueiro, Diego Rivera, Jose Guadalupe Posada y Gerardo Murillo.

Frida Kahlo

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 de julio de 1907-ibídem, 13 de julio de 1954) fue una pintora mexicana.Su vida estuvo marcada por el infortunio de contraer poliomielitis y después por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional. Su obra pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su marido, el reconocido pintor Diego Rivera, con el que compartió su gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores y pintoras mexicanos del periodo posrevolucionario.

En 1939 expuso sus pinturas en Francia gracias a una invitación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición (Autorretrato-El marco, que actualmente se encuentra en el Centro Pompidou) se convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre. Hasta entonces, Frida Kahlo había pintado solo privadamente y a ella misma le costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Aunque gozó de la admiración de destacados pintores e intelectuales de su época como Pablo Picasso, Vasili Kandinski, André Breton o Marcel Duchamp, su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional después de su muerte, especialmente a partir de la década de 1970.

Diego Rivera

Diego Rivera (Guanajuato, 8 de diciembre de 1886-Ciudad de México, 24 de noviembre de 1957) fue un destacado muralistamexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Casado con Frida Kahlo, fue creador de diversos murales en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, y en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y Acapulco, así también algunas otras del extranjero como Buenos Aires, San Francisco, Detroit y Nueva York.

David Alfaros Siqueiros

José de Jesús Alfaro Siqueiros, más conocido como David Alfaro Siqueiros (Camargo, Chihuahua; 29 de diciembre de 1896 – Cuernavaca; 6 de enero de 1974) fue un pintor y militar mexicano. Es considerado uno de los tres grandes exponentes del muralismo mexicano junto con Diego Rivera y José Clemente Orozco.

Debido al atentado contra León Trotsky, se exilió en Chile durante 1941. En Chillán pintó Muerte al invasor. En 1944 emigró a Cuba donde pintó Alegoría de la igualdad racial en Cuba.

En 1946 Siqueiros regresó a la Ciudad de México y pintó en la ex aduana de Santo Domingo, hoy Secretaria de Educación Pública su mural Patricios y Patricidas. En su casa realizó el mural Cuauhtémoc contra el mito y más tarde pintó en el Palacio de Bellas Artes el tríptico Nueva Democracia. En 1947 realizó el famoso lienzo titulado Nuestra imagen actual.

En 1948 inició un taller de muralismo en la Escuela de Bellas Artes de Guanajuato en San Miguel de Allende. Ahí inició un mural a Ignacio Allende el cual dejó inacabado debido al cierre de la escuela y la falta de recursos.

Jose Guadalupe Posada

José Guadalupe Posada (Aguascalientes, 2 de febrero de 1852 - Ciudad de México, 20 de enero de 1913) fue un grabador, ilustrador y caricaturista Mexicano. Célebre por sus dibujos de escenas costumbristas, folclóricas, de crítica socio-política y por sus ilustraciones de «calacas» o calaveras, entre ellas La Catrina.

José Guadalupe Posada nació el 2 de febrero de 1852, en el barrio de San Marcos, de la ciudad de Aguascalientes. Su padre Germán Posada Serna y su madre Petra Aguilar Portillo, procrearon ocho hijos, entre ellos: José María de la Concepción, José Cirilo, José Bárbaro, José Guadalupe, Ciriaco, y María Porfiria. Después de aprender a leer y escribir con su hermano José Cirilo, Posada ingresó a la Academia Municipal de Dibujo de Aguascalientes.1 Posteriormente, en 1868, entró como aprendiz en el taller litográfico de Trinidad Pedroza. Algunas de sus primeras caricaturas de crítica política fueron publicados en El Jicote, periódico de oposición al gobierno de Jesús Gómez Portugal. Comenzó su carrera haciendo dibujos, copiando imágenes religiosas y como ayudante de un taller de cerámica.

Dr Alt

Dr. Atl, (Guadalajara, Jalisco, 3 de octubre de 1875 - Ciudad de México, 15 de agosto de 1964) fue el seudónimo del pintor y escritor mexicano Gerardo Murillo Cornado. Otras disciplinas en las que participó: la exploración, geología, filosofía, historia, crítica de arte, política; era apasionado de la vulcanología; estilista, doctor, profesor; practicó la caricatura, el ensayo y el periodismo.

Murillo decidió autoadjudicarse el seudónimo Atl, que significa agua en náhuatl y antepuso el título de Doctor en Filosofía, a sugerencia del poeta Leopoldo Lugones. En una carta dirigida a los miembros del Colegio Nacional, en 1951, explica que el cambio de nombre se debe a su interés en tener una manera de referirse a él acorde a su personalidad independiente. Esta surgió de las circunstancias y no de la imposición de sus padres, así que se autobautizó con "el agua maravillosa de su alegría de vivir"

Es así como estos grandes autores de arte latinoamerico han dejado huello en la cultura, especialmente en Mexico.

CORRIENTES ARTÍSTICAS COMTEMPORANEAS

Expresionismo

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—.

Fauv

ismo

El fovismo, también conocido como fauvismo, "del francés 'fauvisme', de 'fauve 'fiera' e '-isme' '-ismo'.", la parte de la palabra "-ismo" tiene un significado de movimiento, tendencia, carácter. Fue un movimiento pictórico originado en Francia, alrededor de 1904-1908. Luego se desarrolló a otros países, en años posteriores. Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede de la expresión "les fauves", en español las fieras, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en la Sala VII de la tercera exposición del Salón de Otoño en el Gran Palacio de París en el año 1905. El calificativo de "les fauves" fue dado en su crítica de arte publicada en el periódico Gil Blas, el 17 de octubre de 1905 en un artículo dedicado al salón artístico.

Fue un movimiento sincrético, donde usaban e incluían características de movimientos artísticos próximos, en su espíritu de transformación de volver a la pureza de los recursos, de no ser sumisos ante la herencia pictórica, el grupo quería ir más allá de lo logrado en la pintura, razón por la cual fueron vanguardistas.

Dadaismo

El dadaísmo es un movimiento artístico y literario que surgió durante la Primera Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos dominantes. El término tiene su origen en el francés dadaïsme.

Los historiadores del arte nombran a Tristan Tzara como el primer impulsor de este movimiento que se burlaba de las manifestaciones artísticas y que pretendía destruir las convenciones propias del orden establecido.

No obstante, el movimiento cultural como tal se cree, por otros muchos historiadores y artistas, que fue creado propiamente por el escritor alemán Hugo Ball. El año 1916 y el Cabaret Voltaire de Suiza se consideran así el momento y el lugar donde se produjo el nacimiento de aquel, que revolucionaría el mundo del arte en general.

El dadaísmo trascendió la vanguardia artística y supuso una crítica a los valores vigentes durante la Primera Guerra Mundial y los años posteriores.

Esta pretensión revolucionaria hace que el dadaísmo suela ser conocido como el anti-arte. Sus integrantes apelaban, por ejemplo, a materiales inusuales para la confección de las obras artísticas.

La libertad absoluta, lo inmediato, la contradicción y la espontaneidad de dadaísmo buscaban derrocar las leyes de la lógica, el pensamiento inmóvil, los conceptos abstractos, lo universal y la eternidad de los principios. Los dadaístas proponían el caos por sobre el orden y llamaban a romper las fronteras entre el arte y la vida.

Cubismo

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris y Guillaume Apollinaire. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y no tienen una métrica específica ni se organizan en versos.

Surrealismo

El surrealismo o superrealismo es un concepto que proviene del francés surréalisme. Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional.Los surrealistas persiguen la verdad mediante escrituras automáticas donde se omiten las correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión de emociones.

Pop Art

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El arte pop y el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de este

RENACIMIENTO Y ARTE BARROCO

RENACIMIENTO

¿Que es el Renacimiento?

El término «Renacimiento» procede del italiano Rinascita y fue acuñado por el artista e historiador Giorgio Vasari en sus Vidas (1542–1550), en alusión al renacer de la cultura clásica tras el oscurantismo medieval.
El Renacimiento fue un movimiento cultural europeo que llegó a su apogeo en España en el siglo XVI. Junto con el Barroco del siglo XVII, el Renacimiento produjo un esplendor en las artes y ciencias nunca igualado, lo que hoy conocemos como el Siglo de Oro. El Renacimiento se caracteriza por un renovado interés en el mundo grecolatino, y por ende el Humanismo. En contraste con el teocentrismo de la Edad Media, predomina el antropocentrismo, el optimismo, la secularización, la curiosidad científica, la confianza en la razón y la exaltación de la naturaleza de este mundo.

El Renacimiento marca el inicio de la Edad Moderna, un período histórico que por lo general se suele establecer entre el descubrimiento de América en 1492 y la Revolución francesa en 1789, y que, en el terreno cultural, se divide en el Renacimiento (siglos xv y xvi) y el Barroco (siglos xvii y xviii), con subdivisiones como el manierismo, el rococó y el neoclasicismo

ARTE

Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento: la primera tiene como espacio cronológico todo el siglo xv: es el denominado Quattrocento, y comprende el Primer Renacimiento —también llamado «Renacimiento temprano» o «Bajo Renacimiento»—, que se desarrolla en Italia; la segunda surge en el siglo xvi y se denomina Cinquecento: su dominio artístico queda referido al clasicismo o Alto Renacimiento —también llamado «Renacimiento pleno»—, que se centra en el primer cuarto del siglo. En esta etapa surgen las grandes figuras del Renacimiento en las artes: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte renacentista. Este período desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica que conforma el manierismo, que dura hasta el final del siglo xvi. Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el arte gótico en sus formas tardías, situación que se iba a mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo xvi.
ARQUITECTURAtuvo un carácter marcadamente profano en comparación con la época anterior. Surgió en una ciudad en donde la arquitectura gótica apenas había penetrado, Florencia. A pesar de ello, muchas de las obras más destacadas fueron edificios religiosos.

ESCULTURA

ideales de vuelta a la antigüedad, inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la escultura de este período. Ya el gótico había preludiado en cierta manera algunos de estos aspectos, pero algunos hallazgos arqueológicos (el Laocoonte, hallado en 1506, o el Torso Belvedere) que se dieron en la época supusieron una auténtica conmoción para los escultores y sirvieron de modelo e inspiración para las nuevas realizaciones.

obras religiosas, en las mismas se advierte un claro aire profano; se reintrodujo el desnudo y el interés por la anatomía con fuerza, y aparecieron nuevas tipologías técnicas y formales, como el relieve en stiacciato (altorrelieve con muy poco resalte, casi plano) y el tondo, o composición en forma de disco; también la iconografía se renovó con temas mitológicos, alegóricos y heroicos. Apareció un inusitado interés por la perspectiva, derivado de las investigaciones arquitectónicas coetáneas, y el mismo se plasmó en relieves, retablos, sepulcros y grupos escultóricos. Durante el Renacimiento decayó en cierta manera la tradicional talla en madera policromada en favor de la escultura en piedra —mármol preferentemente— y se recuperó la escultura monumental en bronce, caída en desuso durante la Edad Media.

Al tomar elementos de la arquitectura clásica, los arquitectos renacentistas lo hacían de forma selectiva, así por ejemplo en lugar de utilizar la columna dórica clásica se prefirió el orden toscano. Igualmente se crearon formas nuevas, como la columna abalaustrada, nuevos órdenes de capiteles o decoraciones que si bien se inspiraban en la antigüedad habían de adaptarse al uso religioso de las iglesias. Así, los amorcillos clásicos que acompañaban a Venus en las representaciones griegas o romanas pasan a ser angelotes (putti).

Los arquitectos emplean las proporciones modulares y la superposición de órdenes que aparecía en los edificios romanos; las cúpulas se utilizaron mucho como elemento monumental en iglesias y edificios públicos. A partir de este momento, el arquitecto abandona el carácter gremial y anónimo que había tenido durante la Edad Media y se convierte en un intelectual, un investigador. Muchos de ellos escribieron tratados y obras especulativas de gran trascendencia, como en el caso de Leon Battista Alberti o Sebastiano Serlio.

PINTURA

las novedades del Renacimiento se introdujeron de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo xv. Un antecedente de las mismas fue Giotto, pintor aún dentro de la órbita del gótico, pero que desarrolló en sus pinturas conceptos como volumen tridimensional, perspectiva y naturalismo, que alejaban su obra de los rígidos modos de la tradición bizantina y gótica y preludiaban el Renacimiento pictórico.

Los pintores más destacados de esta época fueron: en Florencia, Fra Angélico, Masaccio, Benozzo Gozzoli, Piero della Francesca, Filippo Lippi y Paolo Uccello; en Umbría, Perugino; en Padua, Andrea Mantegna; y, en Venecia, Giovanni Bellini. Por encima de todos ellos destaca Sandro Botticelli, autor de alegorías, delicadas madonnas y asuntos mitológicos. Su estilo dulce, muy atento a la belleza y sensibilidad femeninas, y predominantemente dibujístico, caracterizan la escuela florentina de pintura y toda esta época. Otros autores del Quattrocento italiano son Andrea del Castagno, Antonio Pollaiuolo, Pinturicchio, Domenico Ghirlandaio, Cima da Conegliano, Luca Signorelli, Cosimo Tura, Vincenzo Foppa, Alessio Baldovinetti, Vittore Carpaccio y, en el sur de la península, Antonello da Messina.


Los pintores, aun tratando temas religiosos la mayoría de ellos, introdujeron también en sus obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se desarrollarían a partir de ahora enormemente. Una búsqueda constante de los pintores de esta época sería la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos artistas: se trató de llegar a la ilusión de espacio tridimensional de una forma científica y reglada. La pintura cuatrocentista es una época de experimentación; las pinturas abandonan lenta y progresivamente la rigidez gótica y se aproximan cada vez más a la realidad. Aparece la naturaleza retratada en los fondos de las composiciones, y se introducen los desnudos en las figuras.

NOTA: SE HAN REALIZADO VIDEOS EN ANIMOTO CON EL FIN DE PRESENTAR CADA UNA DE LAS OBRAS ARQUITECTÓNICAS, PINTURAS Y ESCULTURAS DE ESTE TIPO DE ARTE.
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ARTE BARROCO

¿Que es el arte barroco?

En la actualidad, el arte barroco se considera una de las mayores declaraciones artísticas que abarcaba diversos movimientos, tanto el político y religioso como el social. Como la gran mayoría sabrá, el arte barroco es una continuación de un movimiento artístico denominado manierismo italiano que abarca hasta la mitad del siglo XVI.

El barroco como movimiento artístico, es reconocido como uno de los estilos artísticos más complejos que abandona toda aquella serenidad clásica, que por otro lado caracterizaba al manierismo, y comienza a manifestar en sus obras la agitación y el movimiento de todos los sentidos. Por esta simple razón, al arte barroco se le considerará una tendencia de ostentación y exageración.

Se creó en la época del renacimiento y anterior al neoclasicismo. Comenzó a popularizarse en Italia y luego se extendió hacia el resto de Europa.

El Barroco es un movimiento cultural, un estilo artístico desarrollado entre el siglo XVII y mediados del siglo XVIII, alcanzando diversas disciplinas como la arquitectura, la pintura, la música y la literatura y la característica que más de define es por la ornamentación excesiva.

ARTE
El arte Barroco surgió como un estilo promovido principalmente por la Iglesia Católica, ya que las ideas reformistas y racionalistas intentaban dejar de lado la religión no sólo en los espacios artísticos si no también en el vivir cotidiano de los individuos.


ARQUITECTURA


En el arte barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. Hay diferentes construcciones muy destacadas como el palacio, un típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas; el hotel que era un tipo de vivienda unifamiliar libre y burguesa, rodeada de jardines; el templo que era un lugar del sermón y la eucaristía.

El arte barroco desarrollará un estilo claramente recargado y detallista, opuesto en gran modo a la simpleza del estilo renacentista. La característica principal de la arquitectura de este periodo son las líneas curvas que crean un efecto de expresividad y de dinamismo, buscando la utilización de todo el espacio disponible con elementos como la curva y la contra curva, además de las increíbles decoraciones escultóricas que no dejaban espacio sin rellenar. Con esta nueva característica en esta etapa las fachadas toman el papel principal en la arquitectura y con ello aparecen numerosas columnas y cornisas. De forma que en esta etapa la arquitectura se podría considerar un estilo de decoración arquitectural. Por ello, en este periodo la arquitectura destaca por sus superficies de forma ondulada, sus conexiones interrumpidas y sus plantas ovaladas.

PINTURA

Los artistas del barroco plasma la realidad tal y como la ven, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo. Los temas más usados eran los religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón.

En el arte barroco hay dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo.
El tenebroso que consiste en el choque violento de la luz contra la sombra, quedando el fondo en penumbra, mientras que la escena queda en primer plano.
El eclecticismo que se trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma, siendo una estética decorativa efectista y teatral.



La pintura barroca se caracterizará por una gran expresividad en cuanto a las figuras mostradas y por la intensa diferencia claroscuro. Recurrirá a la intensidad de los colores y al uso de las sombras y luces que genera una distinción potente en los espacios, a las figuras complejas y hasta caóticas, a la intensa expresión de las miradas. La pintura tomó un papel importante y homogéneo que se fue desplazando a diferentes países y con esta extensión se dio lugar a la manifestación de dos ideas contrarias. Con esas ideas contrarias encontramos al barroco cortesano, teatral, lujoso y católico y la segunda idea sería el barroco burgués que en sus obras manifestaría una vida normal y real.

ESCULTURA

La escultura en el periodo barroco toma una gran importancia decorativa, esa importancia se da al gran dinamismo y movimiento que sufre. Las obras de arte representan pasiones lentas, violentas y exaltadas, con estas representaciones se da gran importancia a los temas heroicos y además se introduce nuevos temas como los temas morales y religiosos. Se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa. Su principal material para escultura será la madera policromada y además se caracterizarán por un gran realismo, aunque los principales clientes de los artistas serán las Iglesias y es por eso por lo que predominarán los temas religiosos.

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Arte Islamico

¿Que es el arte islámico?

El arte islámico está conocido por la forma artística que se fue desarrollando en la religión islámica. Es el arte y la arquitectura de las áreas de Oriente Próximo, norte de África, norte de la India y España que formaron parte del territorio del islam en diversos momentos desde el siglo VII.

Además este estilo de arte dio una elevada importancia a la decoración y a la geometría y hubo tres tipos:

• Lacería: eran líneas que se enlazaban y formaban polígonos o estrellas.
• Caligrafía cúfica: a través de los fragmentos del Corán.
• Ataurique: a través de ilustraciones vegetales.

Arquitectura

La utilización de materiales pobres, principalmente el ladrillo, esto es debido a que tienen su origen en el desierto Arábigo, de clima extremo y falto de otros materiales como la piedra, aunque esto no le hace menos bello.
Recubren sus paredes y techos de yeso, madera o azulejos, que decorarán con formas geométricas, vegetales, caligráficas o epigráficas

Decoración

La decoración adquiere un papel predominante en el arte islámico,por influencia de la tradición oriental de no dejar espacios sin ornamentar, crean obras que están decoradas toda la superficie, tanto en muros como en una cerámica etc…
La climatología provocó también que la arquitectura se volcara hacia dentro, buscando espacios frescos y confortables.
Las técnicas usadas son el mosaico de tradición bizantina, la escultura en relieve, el estuco y el alicatado.
La composición sigue siempre unos mismos esquemas basados en la repetición seriada de los motivos, la combinación de distintas decoraciones y la simetría.
La decoración es plana cuyos motivos más usuales son los geométricos,con líneas que se enlazan y se cruzan entre sí formando series que se repiten ininterrumpidamente, el ataurique, que son motivos vegetales estilizados, inspirados en la hoja de acanto, los epigráficos que son motivos de escritura extraídos de textos del Corán, que pueden ser de dos estilos: cúbica que se realizan con trazos alargados y angulosos y nesjí realizados con trazos más redondeados.

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¿Que es el arte gótico?

Se considera arte gótico a un movimiento artístico que se desarrolló y surgió en Europa Occidental a finales de los siglos que comprende la Edad Media, es decir, duró en una gran parte de Europa desde mitad del siglo XII hasta que surge el renacimiento en el siglo XV donde en Italia desapareció este arte, sin embargo en otras zonas este este estilo de arte duró hasta que llegó el siglo XVI.

Como se puede observar, es un estilo artístico que tiene un gran periodo temporal, esta clase de arte aparece en el norte de Francia y poco a poco a lo largo del tiempo se va desplazando hacia el Occidente.

Arquitectura

Cuando hablamos de la arquitectura gótica tenemos que mencionar que esta disciplina surgió más o menos en el año 1140 en Francia. Uno de las primeras obras de arte y por ello una de las primeras construcciones de esta corriente artística fue la basílica de la abadía real de Saint Denis.

Sin embargo, al arte gótico se le ha denominado como un estilo artístico muy superficial, está denominación se dio por el uso de uno de sus elementos más comunes, el arco apuntado (que común mente se le llama ojival), del que después le sigue la bóveda de crucería que proporciona el desplazamiento de los contrafuertes del exterior y que separa los muros mediante la utilización de arbotantes.

Escultura


Dentro de la escultura gótica era común tallar con uno de los materiales más usados en este estilo de arte, la piedra, este material se utilizaba para la decoración de muchos elementos de la arquitectura. Se podría decir que la disciplina que más se desarrolló y evolucionó fue la escultura que fue de un estilo rígido y alargado hacia un estilo naturalista y espacial a principios del siglo XIII.

Una de las influencias más destacadas en la escultura fue la del arte griego que en este siglo aún se guardaba las técnicas del procedimiento de las telas y las expresiones del rostro.
La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista.

Pintura

Dentro de la pintura gótica existían ciertas técnicas destacadas que solían usarse en la gran parte de los países donde este tipo de arte se asentó. Dichas técnicas de representación de las imágenes eran:
Vidrieras
Miniaturas y manuscritos.
Pintura sobre tabla.
Frescos
Pintura en óleo: esta pintura no se hizo famosa hasta el siglo XV que fue el principal punto de apoyo del arte del renacimiento.

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Catedral de Notre Dame

Se trata de uno de los edificios más señeros y antiguos de cuantos se construyeron en estilo Gótico. Se empezó su edificación en el año 1163 y se terminó en el año 1272. Dedicada a María, madre de Jesucristo, se sitúa en la pequeña Isla de la Cité, rodeada por las aguas del río Sena. Es uno de los monumentos más populares de la capital francesa.

Su gran estructura consiste en:

Fachada Oeste
Esta fachada se inició bajo el episcopado de Eudes de Sully desde 1200 a través de la tercera arquitecto y continuó con sus sucesores, notablemente Guillermo de Auvernia, 1220 después de la cuarta . La torre norte se completó en 1240 y del Sur en 1250.

Se presenta como una masa imponente, simple y armoniosa cuya fuerza y la grandeza sobria basado en unconjunto de líneas verticales y horizontales :
- cuatro poderosos contrafuertes que fluyen a lo alto de las torres y se elevan hacia el cielo. Nos dicen simbólicamente que esta iglesia catedral fue construida a Dios .
- dos rayas horizontales anchas que aparecen para empacar el edificio a nuestra tierra carnal. La catedral es una catedral para los hombres .
Sus dimensiones están imponiendo:
- 41 m de ancho
- 43 m en altura a la base de las torres
- 63 m encima de torres

Enmarcado


Esta fachada se inició bajo el episcopado de Eudes de Sully desde 1200 a través de la tercera arquitecto y continuó con sus sucesores, notablemente Guillermo de Auvernia, 1220 después de la cuarta . La torre norte se completó en 1240 y del Sur en 1250.

Se presenta como una masa imponente, simple y armoniosa cuya fuerza y la grandeza sobria basado en unconjunto de líneas verticales y horizontales :
- cuatro poderosos contrafuertes que fluyen a lo alto de las torres y se elevan hacia el cielo. Nos dicen simbólicamente que esta iglesia catedral fue construida a Dios .
- dos rayas horizontales anchas que aparecen para empacar el edificio a nuestra tierra carnal. La catedral es una catedral para los hombres .
Sus dimensiones están imponiendo:
- 41 m de ancho
- 43 m en altura a la base de las torres
- 63 m encima de torres

La flecha

Una primera flecha fue construida sobre el cruce de 1250. Fue un campanario que contó con el siglo XVII hasta cinco campanas. Fue desmantelado 1786-1792.

Viollet-le-Duc , en el momento de los trabajos de restauración de la catedral, decidió crear una segunda flecha , cuyo marco es independiente de la del bosque en un edificio octogonal en los cuatro pilares del crucero.

En 1860, se carga el carpintero Bellu este trabajo. El modelo es el de la flecha con dos plantas en Orleans en 1852 imaginó que un cambio fundamental desde el siglo XIII. Además, la flecha no es un campanario.

La torre domina el gris-verde estatuas de cobre de los Doce Apóstoles con los símbolos de los cuatro evangelistas . Viollet-le-Duc se representó a sí mismo bajo los rasgos de St. Thomas con su cuadrado.Parece que contemplar la parte superior de su "gran obra".

Algunas cifras impresionantes 500 toneladas de madera, 250 toneladas de plomo, una altura de 93 m del suelo.

La puerta roja


No muy lejos de la clausura del portal es la pequeña Porte Rouge, que lleva el nombre del color de sus hojas. Abertura debajo de la ventana de la tercera fila del coro en el lado norte, que fue construido bajo la dirección del arquitecto Pierre de Montreuil en la segunda mitad del siglo XIII. Se conecta el claustro, donde vivían los cánones, y el coro de la catedral por su fácil acceso.

Esta puerta fue restaurada en la primera mitad de 2012 por los servicios de monumentos históricos - DRAC Isla de Francia.

El portal de la Virgen

El portal de la Virgen, la puerta de entrada al frente occidental de la izquierda. Se instaló en 1210-1220 años , por lo que después de la puerta de Santa Ana , pero el portal del juicio final es un poco más tarde.

El portal del juicio


Representa el juicio final como está escrito en el Evangelio de San Mateo.

Dintel inferior *, los muertos resucitan y salen de sus tumbas. Justo por encima, el dintel superior, el archange Michel pesa sus almas y, a raíz de la vida que llevaron en la tierra y amor que han mostrado hacia Dios y los hombres, los elegidos son llevados a la izquierda al paraíso (a la derecha de Cristo), mientras que los condenados son guiados por un diablo a derecha infierno.

El portal de Santa ana

El Portal de San Ana, la puerta de entrada al frente occidental hacia la derecha. Fue instalado alrededor de 1200 antes de que los otros dos portales de la fachada. Su tímpano se reutiliza de un tímpano previo realizado cincuenta años antes de la catedral anterior (la catedral de San Esteban antigua).

Galeria de los Reyes

la Galería de los Reyes, situada bajo el rosetón de la fachada occidental y en la que se representan reyes de la Antigüedad entre columnas. Los revolucionarios, tomándolos por monarcas modernos franceses, mutilaron las estatuas, aunque sus restos no se destruyeron sino que fueron enterrados. Estos fragmentos se encontraron milagrosamente en los sótanos de un banco de París en 1977 y se depositaron en el Museo medievalista de Cluny.

Interior de la catedral

El interior de la catedral destaca por su luminosidad, gracias a los amplios ventanales que se abren en la cabecera, el claristorio, el triforio y las naves laterales. Gran originalidad y audacia suponen los pilares cilíndricos que separan los espacios de las naves. En contra de lo que se hizo después en la mayoría de edificios góticos, se diseñaron a modo de columnas gigantes, sin haces o columnillas adosadas. Las bóvedas y las tracerías de los ventanales muestran diseños simples, como corresponde a la fase inicial del Gótico en que fueron proyectados. La decoración escultórica de capiteles, enjutas y demás espacios también responde a la sencillez heredera de la tradición cisterciense, y predominan en ellos los elementos vegetales.

El tesoro de la Catedral guarda algunas reliquias relacionadas con la Pasión de Cristo: la Corona de espinas, un fragmento de la Vera Cruz y uno de los clavos que sirvió para la crucifixión. Estas preseas sacras fueron compradas por el rey Luis IX al Emperador de Constantinopla. El 19 de agosto 1239, el Rey en persona llevó las reliquias a Notre-Dame mientras se construía un edificio adecuado para ellas, lo que sería la Sainte Chapelle. Durante la Revolución Francesa, las reliquias fueron llevadas a la Biblioteca Nacional. Tras el Concordato de 1801, se entregaron a la custodia del arzobispo de París, que las depositó de nuevo en la catedral el 10 de agosto de 1806.
El Organo

El órgano principal de la catedral es un destacado instrumento, obra de Aristide Cavaillé-Coll en su mayor parte; posee una caja adornada con autómatas. La plaza de organista titular de Nôtre Dame es uno de los más altos honores a los que puede aspirar un músico. Entre los que la han ocupado destaca Louis Vierne, que fue organista entre los años 1900 y 1937.

Su estructura de la catedral es muy extensa, y es extraordinariamente grande, es muy importante porque es una de las construcciones mas importantes de la capital de Francia.




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EL ARTE GRIEGO

El arte griego  es el resultado de la mezcla de muchos elementos diferentes. ellos a lo largo de su historia desarrollaron todos los elementos, su arte ha sido muy diferente en toda la cultura del occidente, porque ellos se adaptaron a la herencia de las culturas antiguas de Grecia, conforme al tiempo las fueron perfeccionando con sus propios elementos, haciéndola suya y creando una nueva y muy excelente cultura y arte.

Periodos

La historiografía del arte ha identificado varios estilos que periodizan el arte de la Antigua Grecia:

• • Geométrico (siglos IX y VIII a. C.); hay muy pocos datos del periodo anterior, conocido como Edad Oscura, a la que precedió el arte de las civilizaciones prehelénicas (arte cicládico, arte minoico y arte micénico)
  • Orientalizante (final del siglo VIII y comienzos del VII a. C.)
  • Arcaico (siglos VII y VI a. C.), en la decoración pictórica de la cerámica se caracteriza por las figuras negras.
  • Severo (finales del VI y comienzos del V a. C.), en la decoración pictórica de la cerámica se caracteriza por los vasos bilingües.
  • Clásico (siglos V y IV a. C). –de las Guerras Médicas al reinado de Alejandro Magno-), en la decoración pictórica de la cerámica se caracteriza por el uso de las figuras rojas, que se prolonga en el periodo posterior.
  • Helenístico (final del siglo IV y siglos III y II a. C.), prolongado por el arte romano a partir de la conquista romana de Grecia (146 a. C.)

MITOLOGÍA 

La mitología griega es el conjunto de mitos y leyendas pertenecientes a los antiguos griegos que  tratan de sus dioses y héroes, la naturaleza del mundo, los orígenes y el significado de sus propios cultos y practicas de rituales. Formaban parte de la religión de la Antigua Grecia.



ARQUITECTURA

La arquitectura griega se fue fijando el los templos que se fueron desarrollando en los acropolis que eran las ciudadelas de la ciudad. 
Los templos importantes eran inacabables,es un sin numero de templos que fueron hechos principalmente en honor a sus dioses y sus formas eran de megaron:  era una planta rectangular cubierta con tejado a dos aguas, con elementos estructurales de madera. Con la misma estructura se ha encontrado restos de templos de la época oscura. Un aspecto muy importante de los templos griegos es la "petrificacion" de los elementos del templo se fueron produciendo paulatinamente [columnas - cuyo fuste mantiene el recuerdo vegetal con las estrías o acanala-miento, vigas- producen los remates exteriores de los triglifos]. Otro de los aspectos importantes la generalización de las tejas de cerámica en sustitución de la cubierta de paja y ramas que se produjo en Corintio en el s. VII a.C. 
También se definieron el estilo dórico [mas sobrio y macizo] y jónico [mas esbelto y decorativo].



COLUMNAS

Se caracterizaba por intrincadas hojas espinosas de acanto esculpidas en los capiteles de las columnas, que puede reflejar la influencia del Oriente Medio. La prestancia del estilo corintio lo convirtió en el estilo arquitectónico favorito de la arquitectura del Imperio romano. Los templos se pueden clasificar por el número de columnas que tienen:

-In antis, si sólo tienen dos en su fachada y muros de la cella.

-Tetrástilo: cuatro.

-Hexástilo: seis.

-Octástilo: ocho.

-Decástilo: diez.

-Próstilo: si sólo tiene un pórtico en la parte delantera.

-Anfipróstilo: si lo tiene también en la parte posterior

-Períptero: cuando las columnas exentas rodean la cella.

-Díptero: cuando son dos las filas de columnas.

-Pseudoperíptero: cuando está dispuesto con columnas adosadas a los lados.

-Áptero: si no tiene columnas.

-Hípetro: si no tiene techo.

ESCULTURA

La escultura griega se caracterizo por rasgos originales, como la sonrisa eginetica o arcaica en un estilo de transición al clasicismo denominado estilo severo, estimulado finalmente por la necesidad de renovar la decoración escultórica de los templos destruida durante la invasión persa. Las figuras masculinas y femeninas podían representar tanto a seres humanos como a dioses, muestra de la antropomorfización de estos y de la innovación del rango semi divino o heroico. 

Tenían muchos materiales y acabados de técnicas de acabado, aprovechadas en forma limitada en la época arcaica, fue la policromia aplicada en las esculturas las que las doto de luminosidad y sensación de la vida. Los griegos no consideraban que una pintura no se  dejara de pintar, pues, la considerarían imperfecta o ilusa. 



CERÁMICA

La mayoría de la cerámica era para uso cotidiano o de carácter fúnebre donde se emplearon jarrones, estos estaban ornamentados con representaciones lineales y motivos relacionados con la muerte, como batallas marítimas o terrestres. La mayor parte de la alfarería  estaba compuestas por piezas domesticas, de las que perduraron recipientes como las ánforas, pequeñas crateras e hidrias.

Tambien se fabricaron figuras de barro cocido, principalmente para ser depositadas como ofrenda en el templo. Durante ese periodo fueron elaborados objetos de alfareria, aunque solo unos poseían un valor artístico.


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ARTE ROMANO 

Las primeras manifestaciones de arte romano se dieron bajo el influjo del arte etrusco y fueron contagiadas por el arte griego.

El arte romano se desarrollo con bastante homogeneidad y autonomía desde el siglo III a.C. hasta el siglo V de nuestra era. siguiendo las etapas de su devenir histórico marca, al meno la República, hasta el año 26 a.C. , y el imperio que se extendió desde los tiempo de Augusto hasta la caída de roma en manos de los babaros en el año 456 a.C. 

MITOLOGÍA

la mitología romana se forma de diferentes partes es decir; la primera mayoritariamente antigua y ritualista, representaba los mitos autóctonos, la segunda principalmente tardía y literaria, consiste en la fusion de lo anterior con varios prestamos completamente nuevos, procedentes de la mitología griega. al referirnos a la mitología romana también nos referimos a la mitologia griega por eso es llamada: grecorromana.

Los principales dioses del Panteón Romano

Nombre romano	Nombre griego	Función, características	Atributo
Júpiter	Zeus	Padre de dioses y de los hombres, soberano de las alturas, el que administra la Justicia, lanza el rayo y amontona las nubes.	El águila, el rayo y el cetro.
Juno	Hera	Reina de los dioses, protectora del matrimonio y de la familia.	El pavo real y la corona.
Neptuno	Poseidón	Dios del mar, de los caballos y de los terremotos.	El tridente y el carro.
Minerva	Atenea	Diosa de la inteligencia y de la guerra justa, protectora de las instituciones políticas, de las ciencias y de las artes, patrona de los artesanos.	El casco, el escudo, la lanza, el olivo y el búho.
Marte	Ares	Dios de la guerra destructiva y de la lucha.	La espada, el escudo y el casco.
Venus	Afrodita	Diosa del Amor.	La paloma, la espada y la concha marina.
Febo	Apolo	Dios de la luz, de la poesía, de la música, de la profecía y de la medicina.	La lira, el arco y la flecha.
Diana	Artemisa	Diosa de la Belleza Interna, de la Virginidad y de la luna y La Paz.	La luna, el arco de plata, la flecha y el carcaj.
Mercurio	Hermes	Dios del comercio, protector de los caminos y guía del viajero.	El Pegaso, el caucedo, las sandalias aladas y el bolso.
Baco	Dioniso	Dios del vino y de la danza, inspirador del delirio y el éxtasis.	El tirso.
Vulcano	Hefesto	Dios de los volcanes, de los incendios y de la herrería.	El yunque y el martillo.
Plutón	Hades	Dios de los muertos, señor del Inframundo.	La corona de ébano, el trono de ébano y el carro tirado por cuatro caballos negros.

ARQUITECTURA

La arquitectura romana adaptó los tres órdenes griegos y el llamado etrusco modificándolos y añadiéndoles otra forma de capitel que se definió por los arquitectos renacentistas con el nombre de orden compuesto. De esta suerte, se cuentan cinco órdenes, a saber:

• el orden toscano o etrusco que permanece básicamente igual.
• el orden dórico romano que eleva su columna a dieciséis módulos, adorna su collarino o garganta, añade un talón al ábaco, tiene el astrágalo en forma de junquillo que rodea al fuste y debajo de la corona de la cornisa lleva dentículos o mútulos. Esta última diferencia constituye respectivamente las variantes de dórico denticular y dórico modillonar, según los arquitectos del renacimiento.
• el orden jónico romano, que adorna más su capitel que el griego, reduce la magnitud de sus volutas, suprime en ocasiones el astrágalo y eleva la proporción del fuste.
• el orden corintio romano, se ostenta más florido aún que el griego y en él abunda, sobre todo, la hoja de acanto. De ésta, lleva dos o tres series el capitel, dobladas hacia adelante y además de los dentículos admite series de modillones adornados para sostener la cornisa.
• el orden compuesto, que llegó a ser el predilecto de los romanos no difiere del corintio sino en engarzarse más los adornos y en alguna modificación accidental del capitel: éste se forma con hojas de acanto sin calículos y con cuatro volutas que salen por encima del cuarto de bocel de modo que parece compuesto de jónico y corintio.

ESCULTURA 

Roma era una sociedad muy visual. Con la mayoría de su población analfabeta e incapaz de hablar el latín erudito que circulaba entre la élite, las artes visuales funcionaban como una especie de literatura accesible a las grandes masas, lo que confirma las ideologías y la difusión de la imagen de personalidades eminentes. En este contexto, la escultura disfrutó de una posición privilegiada, que ocupaba todos los espacios públicos y privados y llenaba las ciudades con innumerables ejemplos de diversas técnicas. Gran parte de la escultura producida en Roma pertenece a la temática religiosa o está relacionada de alguna manera. Incluso los retratos a menudo tenían asociaciones con lo sagrado, como en todas las culturas, Roma no fue diferente en la práctica para producir imágenes de culto, que estaban presentes desde los grandes templos públicos hasta las viviendas más modestas. No sólo las grandes esculturas en bronce y mármol se convirtieron en algo común —las estatuas, grandes sarcófagos, relieves arquitectónicos, camafeos grabados en las piedras preciosas—, pero aún más en estatuillas de terracota, placas funerarias sencillas, máscaras mortuorias en cera , cuyo coste estaba al alcance de las clases más bajas, y en las monedas, que pueden ser vistas como una especie de relieve en miniatura y se encontraban entre la masa del pueblo.

PINTURA

Los romanos admiraban la pintura griega, tanto como la escultura, y animaban a los artistas que trabajaban tanto para ellos a hacer copias griegas famosas o  populares, los romanos tenian mas que los griegos a decorar sus paredes con pinturas murales, y aunque siguen la tradicion griega, muestras en sus pinturas un gran colorido y movimiento. 

Los procedimientos usados en las  pinturas eran el encausto, el temple y el fresco.  Tambien pintaban en tabla y una tecnica que utilizaban para avivar los colores era de ponerle a la pintura una capa de cera para avivar los colores. 

Sus generos como el decorativo en vajillas y muros y el historico y mitologico en los cuadros murales.

CERAMICA

La ceramica hispanorromana carece de figuras pintadas y solo representa en relieve y sin color distinto de fondo como puede observarse en los famosos barros saguntinos,  se han distinguido cuatro estilos pictoricos diferenciados,y, por lo general, sucesivos cronologicamente, al haberse definido por losejemplos conservados en ponpeya, reciben especialmente estilos pompeyados, tambien ponian en practica la representacion de las  figuras geometricas. 

ARTE DEL IMPERIO BIZANTINO 

En el año  de trescientos noventa y cinco Teodosio dividió entre sus hijos Arcadio y Honorio el imperio Romano; dejando a Arcadio el imperio oriente. Este hecho va a dar origen al Imperio Bizantino, que tiene ya como capital a Constantinopla., cuidad fundada por el emperador Constantino. 

El arte bizantino se dividió en cuatro grandes etapas:

• Primera Edad de Oro Bizantina: 527 - 726, año en el que aparece la querella iconoclasta. La época dorada de este arte coincide con la época de Justiniano.
• La querella iconoclasta se prolongó entre los años 726 - 843 y enfrentó a los iconoclastas contra los iconódulos y fue tan violenta que produjo una crisis artística acentuadísima, especialmente en el arte figurativo.
• Segunda Edad de Oro Bizantina: 913 - 1204, momento en que los cruzados destruyen Constantinopla.
• Tercera Edad de Oro Bizantina: 1261 - 1453, cuando los turcos toman Constantinopla.

RELIGIÓN

Uno de los rasgos más característicos de la civilización bizantina es la importancia de la religión y del estamento eclesiástico en su ideología oficial, Iglesia y Estado, emperador y patriarca, se identificaron progresivamente, hasta el punto de que el apego a la verdadera fe (la «ortodoxia») fue un importante factor de cohesión política y social en el Imperio bizantino, lo que no impidió que surgieran numerosas corrientes heréticas.

El cristianismo primitivo tuvo un desarrollo mucho más rápido en Oriente que en Occidente. Es muy significativo el hecho de que el Concilio de Calcedonia reconociera en 451 cinco grandes patriarcados, de los cuales solo uno (Roma) era occidental; los otros cuatro (Constantinopla, Jerusalén, Alejandría y Antioquía) pertenecían al Imperio de Oriente. De todos ellos, el principal fue el Patriarcado de Constantinopla, cuya sede estaba en la capital del Imperio. Las otras tres sedes fueron separándose paulatinamente de Constantinopla, primero a causa de la herejía monofisita, duramente perseguida por varios emperadores; luego, con motivo de la invasión del islam en el siglo VII, las sedes de Alejandría, Antioquía y Jerusalén quedaron definitivamente bajo dominio musulmán.

LITERATURA

La literatura, como en general la cultura bizantina en todos sus aspectos, se caracteriza por tres elementos: helenismo, cristianismo e influjo oriental. Helenismo porque continúa la tradición de la Grecia clásica pese a los intentos romanizadores de Justiniano y su sobrino Justino II, que solo alcanzaron al derecho. Cristianismo porque esa fue desde Constantino la religión del Imperio, a pesar de la oposición intelectual hasta bien entrado el siglo VI; influjo oriental por la estrecha relación con pueblos asiáticos y africanos.

La literatura bizantina cuenta con un poema épico en griego popular, el de Digenis Akritas, y con líricos de primer orden como Teodoro Pródromo. Posee unos géneros característicos, como los bestiarios, volucrarios, lapidarios y las novelas bizantinas (Estacio Macrembolita: Los amores de Isinia e Ismino; Teodoro Pródromo, Los amores de Rodante y Dosicles; Nicetas Eugeniano, Las aventuras de Drusilla y Caricles y Constantino Manasés, Aventuras de Aristandro y Calitea). Fue especialmente fecunda en escritores teológicos (como, por ejemplo, Eneas de Gaza), cristológicos y hagiográficos. Repercutió en particular en la literatura occidental la historia de Barlaam y Josafat, divulgada por todo Occidente, en la cual se encuentran alusiones a la vida de Buda.

ARQUITECTURA 

En la Primera Edad de Oro, época de Justiniano I, siglo VI, se realizan las más grandiosas obras arquitectónicas que ponen de manifiesto los caracteres técnicos y materiales, así como el sentido constructivo que caracteriza el arte bizantino de este período. Del mundo romano y paleocristiano oriental mantuvo varios elementos tales como materiales de ladrillo y piedra para revestimientos exteriores e interiores de mosaico, arquerías de medio punto, columna clásica como soporte, etc.Pero también aportaron nuevos rasgos entre los que se destaca la nueva concepción dinámica de los elementos y un novedoso sentido espacial y, sobre todo, su aportación más importante, el empleo sistemático de la cubierta abovedada, especialmente la cúpula sobre pechinas, es decir, triángulos esféricos en los ángulos que facilitan el paso de la planta cuadrada a la circular de la cúpula. Estas bóvedas semiesféricas se construían mediante hiladas concéntricas de ladrillo, a modo de coronas de radio decreciente reforzadas exteriormente con mortero, y eran concebidas como una imagen simbólica del cosmos divino.

ESCULTURA 

La plástica escultórica bizantina supuso la culminación del arte paleocristiano, manteniendo sus técnicas y su estética de progresivo alejamiento de las cualidades clásicas: la mayor rigidez, la repetición de modelos estereotipados, la preferencia del bajorrelieve a las obras de bulto redondo.

Tras la sistemática destrucción del período iconoclasta hay una vuelta al culto de las imágenes, pero para no caer en la idolatría y por influjo de las nuevas corrientes islámicas desaparece la figura humana en la os (marfil) que proporcionan pequeñas piezas, son los caracteres más destacados de la estatuaria bizantina de la estatuaria exenta.